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Golpes a la barrera

abril 4, 2011

No cabe duda que el filme más polémico en los últimos tiempos a niveles de crítica en internet, que es donde hoy por hoy se gestiona la verdadera crítica cinematográfica, ha sido Sucker Punch. Su director, el siempre sorprendente Zack Snyder, ofrece  uno de esos filmes que el espectador duda en más de un momento si se encuentra ante un producto nefario o una autentica obra maestra. Eso hermana al director con cineastas bizarros como Takashi Miike y uno ha de reconocer que la mayor parte de las veces que un filme coloca a alguien en una disyuntiva tal lo más probable es que sea una obra maestra. Pero lo que me interesa aquí es por que a mi como espectador me provocó esa duda valorativa que hacía que el visionado del filme me pareciera fascinante. Y la respuesta que obtengo es que el filme dinamitaba diversas barreras y ahí construye su grandeza.

1. División entre Baja/Alta cultura: Sucker Punch (que se puede traducir como Golpe Bajo) se vende como un blockbuster (lo que los situaría en un nivel un tanto low brow) y de hecho la acumulación de efectos, escenas espectaculares y el maniqueismo de los personajes parece que cumple esa función. A la par que eso el filme muestra un desprecio por las reglas elementales de lo comercial (empatización con los personajes, coherencia narrativa, enganche con las expectativas del espectador) que casi parece que Zack Snyder se convierta en una suerte de Kubrick “redneck” (como con sorna alguien le ha bautizado) o incluso más lejos: una especie de Godard (que jugaba con los generos y lo narrativo de forma burlona) o Apichatpong Weerasethakul (que rompe los códigos narrativos como le da la gana). Sin embargo el filme tiene una evidente fascinación por las expresiones de cierta “degradación” de la cultura de masas (fotos de victoria´s secrets, arcade, peliculas de Uwe Boll, blandiporno, videoclip de Britney Spears, series teen, universo playboy…)  que no hace sino chocar con los elementos más “respetables” que el filme utiliza (El Gabinete del Doctor Caligari, Terry Guilliam, Moulin Rouge, canciones gafapastas, Cabaret, Brecht, Norman Rockwell…), con lo que el filme, lejos de estar en comodas y amables posiciones mid cult, se situa en una tensión que ha hecho que algunos consideren al filme una apoteosis de lo chorra y del mal gusto.

2. Narrativo/Antinarrativo: el filme se estructura en tres niveles de realidad, lo que lo hermana con Inception. Pero donde Nolan intentaba establecer un discurso de narratividad comprensible y en última instancia cerrado (por muchas ambiguedades que la pelicula estableciera para hacer que el público hablará del filme un ratillo despues al salir de la sala), Snyder parece despreciarlos. Cada nivel diegético parece una excusa para mostrar otra cosa, para cambiar de película, para ocultarnos lo que quizás el publico querría ver (el nivel del burdel oculta el drama de abusos sexuales que sufren la enfermas del manicomio, el nivel de las aventuras de videojuegos ocultan los numeros eróticos que las protagonistas realizan asi como el plan de escape a lo Prison Break que parecen intentar llevar a cabo y que nunca se entiende del todo). De esa forma los niveles estorban en elementos de comprensión y enganche narrativo, asi como escamotean los elementos eróticos, por lo que dichos niveles estorban en lo narrativo y en lo espectacular. Y sin embargo al final Snyder establece un final imposible, que tanto cambia de protagonista, como da una coda feliz con mensaje y que uno percibe como absolutamente falso, (un poco al estilo Terciopelo Azul de David Lynch)aunque extraña e inquietantemente coherente, como el final de El Gabinete del Doctor Caligari.

3. Lo Representado/lo no Representable: El filme comienza ya en un teatro y su total expresionismo fotográfico, escenográfico y digital lo hermanan con el filme total y la mostración de la representación (a lo Luhrman o Coppola). Pero la representación (primer nivel: manicomio) da pie a otra representación (el burdel/cabaret)  que a su vez da pie a otra (las fantasias de los bailes de la protagonista). Asi el filme escamotea los aspectos sexuales (lo irrepresentable en un filme PG-13) a la vez que despieza la narración en intro de videojuegos (el primer nivel), escenas cinematicas (el burdel) y las secuencias de juego (las fantasias). Además la pelicula desnuda lo que tienen en comun el cine porno, el cine de acción y el cine musical: una excusa narrativa para mostrar un numero. En este caso las set pieces de acción simbolizan unos numeros musicales que señalan una cierta escena sexual. Pocas peliculas muestran el aspecto pornográfico del cine de forma tan aparentemente inocente.

4. Deseo masculino/Denuncia femenina: El filme de Snyder vehicula muchas ideas en torno a lo Masculino y lo Femenino. Las protagonistas estan evidentemente sexualizadas según unos canones muy relacionados con fantasias sexuales masculinas. Por otro lado el filme pone siempre en relación el dominio masculino como castrador y la lucha de las chicas por escapar como liberación. Incluso Snyder pone al John Hamm (el  Don Draper de Mad Men) en un doble papel de simbología masculina reveladora: Es tanto el gran macho que todos esperan el burdel como el negligente medico lobotomizador de chicas. Y sin embargo, como bien apunta este post, en última instancia todo puede ser una fantasía misogina de un director del que se ha sospechado una cierta fascinación filogay no del todo asimilada (el organista homosexual con tacones en Amanecer de los Muertos, los abdominales espartanos y Jerjes y su latigo en 300, Ozymandias y el pene azul del doctor Manhattan en Watchmen,el joven buho que mira embobado a los guerreros lechuzas en Gahoole).

Snyder es un cineasta que establece nuevas cotas en el cine postmoderno y del que sólo puedo esperar que va a hacer con Superman, supervisado por Nolan. Un cineasta excesivo, ultramanierista, irónico, ambiguo, macarra, friki y Connoisseur

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Máscaras y Sacrificios

febrero 27, 2011

(Este post se lo dedico a mi amiga Mayca)

A través de una amiga he visto este video

El video es efectivo en su denuncia y aunque no estoy de acuerdo con todo lo que se dice en él, es bastante preciso en algunos aspectos. Ciertamente tiene ese tono victimista típico de las denuncias feministas y tambien cae en ese concepto, que para nada estoy de acuerdo, que sostiene el feminismo de que debajo de la cultura (que según el la teoría feminista es siempre falocrática y machista) se encontraría la VERDADERA MUJER, lo que en el fondo no es sino una puesta al día de la vieja idea del Buen Salvaje de Rosseau, sólo que en este caso sería una Buena Salvaje. Como yo no creo que fuera de la cultura exista algo humano, no comparto ese punto de vista.

Pero el video acierta plenamente en el análisis de la presencia del rostro y cuerpo femenino en la televisión italiana. Aunque sería autocomplaciente no reconocer que se trata de un hecho globalizado, es cierto que la televisión del pais transalpino es especialmente virulenta en su representación de rostros y cuerpos femeninos hipersexualizados, objetivizados, teatralizados, deshumanizados, eternamente jovenes y sin expresión…la pregunta aqui es ¿por qué ocurre?

En realidad se dan dos vertientes: de un lado Italia es un pais de gran tradición manierista que hasta cierto punto se ha impuesto sobre la tradición de la serenidad femenina de Piero Della Francesca o Giotto, incluso de la humanidad de Da Vinci o Miguel Angél. Así las mujeres del manierismo, con su estilización y su teatralidad, se han convertido en una cierta tradición.

De otro lado, el cine, y por ende el audiovisual, asi como otros medios de representación populares, han sufrido una gran influencia del prerafaelismo, que precisamente, pese a las intenciones iniciales idealistas de sus autores, era un neomanierismo que acentuaba más la representación femenina como una máscara mortuoria.

Algo que se nota en todos los anuncios de colonia, especialmente los dedicados al público femenino:

Además, el capitalismo y su sicótica acumulación de bienes produce el aumento de los atributos, incluyendo los femeninos (algo que no hicierón los ejemplos citados antes) y que lleva a la presencia de mujeres gomosas y recauchutadas, ocultas tras esas máscaras, presentes en todo el imaginario del siglo XX.

Así, un cineasta manierista como Hitchcock, mostraba en Vertigo como una chica atractiva pero con un punto salvaje (en una estética que se asemeja a la de una moderna “choni”) es moldeada por su protagonista en pos de convertirla en ese fantasma femenino, en esa diosa, que de forma obsesiva añora, destruyendo (sacrificando) a la mujer real por el camino.

También Fellini (no casualmente un cineasta italiano), retrato a esa mujer diosa hipersexualizada e inalcanzable.

Y que en una de sus últimas películas mostró a ese fantasma femenino ya directamente como una muñeca artificial y deshumanizada

Asi que, de forma banalizada, la televisión italiana sigue una tradición visual que muestra como el hombre, en esa sicótica búsqueda de un fantasma femenino primordial, de una gran madre primigenia, de la Diosa, sacrifica a la humana (y por tanto, verdaderamente sagrada) mujer real. Pues la Diosa siempre exige sacrificios. Y si no que se lo pregunten a Orson Welles, que machaco a Rita Hayworth hasta conseguir transformarla para La Dama de Shangai en Lilith, la mujer escarlata, la femme fatal, la diosa…La Gran Madre.

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Los Limites de la Representación: La Imagen Nazi (y II), El Holocausto

febrero 14, 2011

Les debía este post desde hace semanas y, como ya saben, precisamente ha sido una broma sobre el Holocausto hecha por el director Nacho Vigalondo lo que recientemente ha vuelto a poner en la palestra la cuestión de los límites.

El Holocausto no es propiamente dicho un imaginario nazi, ya que ellos nunca lo publicitaron, sino un producto del nazismo…sin embargo ellos si documentaron con esa dedicación tipicamente prusiana a registrar las condiciones de vida de los judíos en los ghettos y campos. Eso ha hecho que se haya creado toda una fuente de imágenes del Holocausto, cosa que no ha ocurrido en otros casos como los Gulags o los campos de reeducación asiaticos. Precisamente ese motivo es el que ha hecho que el Holocausto haya quedado como el gran genocidio del siglo XX e incluso de la Historia.

El Holocausto hizó decir a Adorno que ya no podía haber más poesía. Pero tambien estableció un nuevo límite: El Holocausto era un horror tal que no podía ser representado. Así el documental Shoah se negaba a mostrar imagenes de archivos de los campos de exterminio (aunque si incluye filmaciones de los lugares reales) y mostraba en su lugar a los supervivientes y sus testimonios: La palabra era lo único que podía decirse, la imagen estaba prohibida.

De hecho peliculas que mostraban reconstrucciones de los campos (no digamos ya del exterminio) eran denunciadas por otros cineastas como inmorales. Por ejemplo Rivette dijó que el travelling final de esta escena hacía que el cineasta Pontecorvo mereciese el más profundo de los desprecios y dió pie a la famosa frase de Godard de que un travelling es una cuestión moral.

Y todo ello porque se consideraba que no podía hacerse espectáculo sobre el holocausto. De hecho Hollywood en general huyó de los campos de la muerte nazis y prefirió centrarse en los campos de prisioneros para sus ficciones, desde La Gran Evasión a Los Heroes de Hogan pasando por Traidor en el Infierno o Evasión o Victoria. De hecho, como suele ocurrir con lo irrepresentable, el campo de exterminio fue recogido por la explotation más descarada como reclamo escópico y sexualidad “aberrante”.

Así que se da la contradicción de que algo tan documentado como el Holocausto sin embargo se quedaba fuera de la representación mainstream. Y sin embargo su imaginario continuaba llamando al publico, algo que se nota en la trilogía de Ilsa…mientras que La Loba de las SS sucede por completo en el campo, La Tigresa de Siberia sólo ocurre la mitad del metraje en el Gulag…porque claro está que un Gulag no capta tanto la imaginación del público como un campo nazi.

El mainstream introdujo de forma masiva el campo de concentración primero a través de la serie de Televisión Holocausto y posteriormente mediante La Lista de Schindler, lo que abrió la puerta a diversos filmes sobre el genocidio judío. Lo curioso es que Hollywood lo ha hecho porque se siente legitimado por estar estos filmes producidos o dirigidos por judíos. Mientras en Europa el debate era sobre la legitimidad de la representación, en USA era una cuestión etnica…de forma que subrepticiamente se ha dejado que los judios gestionen el imaginario de su propio genocidio. Esa legitimización explica un documental como A Film Unfinished, donde una cineasta israelí monta un documental con imágenes del Ghetto judío filmada por los propios nazis.

Asi que en realidad ya se empieza a estar lejos de ese idea de no mostrar el Holocausto que tenía Shoah. Pero eso si, la legitimización viene dada por sus victimas (y obviamos que los judíos no fueran las únicas victimas de los nazis) y son ellas las que sancionan lo que es representable o no. Son ellos los que pueden decir si el Holocausto puede ser objeto de comedia o no. Los Weinstein compran La Vida es Bella y eso lo convierte automaticamente en un filme respetuoso. Hitler SS no tiene apoyo judío y se prohibe en España por sentencia del tribunal supremo. De hecho los judios si parecen que pueden hacer chistes sobre El Holocausto

Pero los artistas no judios no pueden acceder a eso por si mismos, como muestra esta noticia.

Así que este es el estado de la cuestión ahora mismo, y por ello la imagen del Holocausto parece que no puede ser gestionada de forma aceptable por el stablishment sin mediación de sus victimas, algo que en estos tiempos de lo politicamente correcto puede extenderse a otros ámbitos, con lo cual puede que haya un momento en los que directamente quizás no podamos hablar del Otro.

Y sin embargo gestionar el Holocausto desde la ficción y la representación esta bien, sea  mediante comedias sentimentales, filmes de Hollywood with attitude, Stand Up comedy, bromas de twitter, filmes denuncias, documentales respetuosos o comics underground. Porque la representación es lo que puede hacer que algo se suture.

No obstante no olvidemos una cosa: el antisemitismo existe en Europa y no en las bromas de twitter…existe en las teorías que niegan (de verdad) el Holocausto y que tienen un gran predicamento en internet entre la juventud española, en el odio hacia el estado de Israel que la izquierda abraza con entusiasmo, en las conspiranoias judeo-masónicas de la extrema derecha española y las conspiranoias sionistas-americanas de la extrema izquierda europea. El Holocausto puede repetirse…por eso no conviene olvidarlo.

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Chistes Crueles

febrero 2, 2011

Maldita sea, ya la tenemos liada otra vez…

Ustedes recordarán que les debo un post sobre la imagen nazi 2 que trataría sobre los campos de concentración…sin embargo no he tenido cuerpo para ello. Pero hete aquí que de nuevo tenemos polémica Serbian Film Style esta vez relacionada con este tema.

El director Nacho Vigalondo se le ocurrió decir en su twitter que El Holocausto era un montaje, todo ello con evidente intención humorística. Y ya tuvimos a los neopuritanos (ya he dicho varias veces que lo políticamente correcto es un nuevo y bastante peligroso neopuritanismo) de turno diciendo lo de siempre: ofendes, deberías callarte y mi favorita “Deberias sufrir un holocausto para no reirte de él”. Pueden ver más información de lo hechos explicado por el propio Vigalondo aquí y pueden ver el twiteo aquí.

Asi que de nuevo nos encontramos con que no podemos reirnos de todo. En El Nombre de La Rosa de Umberto Eco, la lucha dialectica de Guillermo De Baskerville con Jorge De Burgos tenía que ver precisamente con ello. El bibliotecario ciego ocultaba y envenenaba el tratado de La Comedia de Aristoteles precisamente porque justificaba la risa. Que la risa fuera el gran secreto relacionaba la novela con el Pensamiento Debíl y Vattimo: En última instancia reirnos de todo era la única verdad. Su adaptación al cine por Annaud sin embargo llevaba el asunto con un tono distinto: Si permitimos reirnos de todo-dice Jorge de Brugos- nos terminariamos riendo de Dios.

Sin embargo, siempre ha existido el Carnaval, que precisamente permitía reirse de Dios. La dialectica entre lo sagrado y lo carnavalesco ha existido siempre y desde luego existía en la Edad Media. Sólo algo escrito desde las posmodernidad (aunque se ambiente en dicha Edad Media) puede plantear como problema el enfrentamiento entre lo sagrado y el humor.

Porque nuestra sociedad ha acabado con lo sagrado o esta en proceso de ello. Por eso lo políticamente correcto sustituye de forma deficitaria y sicótica lo sagrado. Si uno pone la televisión, especialmente Tele 5 uno ve que en la tele siempre es carnaval. Por eso la indignación con ciertos temas (a bote pronto: El Holocausto, Las enfermedades terminales, la violencia de género y Mahoma) parece que intenta sustituir esa dimensión sagrada pero en forma de repulsa, seriedad, y sobre todo, censura. Por eso resulta revelador cuando en mitad del Carnaval se pulsa la tecla de lo políticamente correcto:

Ustedes lo ven…si en mitad del carnaval sale una referencia al maltrato la seriedad, las caras conpunjidas, las disculpas a la audiencia y la indignación aparecen. Lo politicamente correcto es por tanto lo ese dios del que Jorge de Burgos no quería que nadie se riera.

A todo esto todo el mundo puede enarbolar las banderas que quieran: Algunas hablaran de buen o mal gusto, otros hablaran de inteligencia o de si al rerinos criticamos o secretamente apoyamos, pero son argumentos banales. Porque no se trata de eso. Se trata de que el humor, como el arte, tiene que ver con el Terror. Por eso no puede aplicarse lo PC ahí. Por eso el tema de lo sagrado aparece una y otra vez. Por eso los chistes crueles son necesarios: nos recuerdan que la risa, como la belleza, es la antesala de los terrible.

Les dejos con este video, que me parece magnífico, y les emplazo a que lo piensen en terminos de denuncia o cinismo, en términos de buen o mal gusto y veran como esta broma visual lo dinamita todo. Porque un buen chiste (como el de Vigalondo: ¿Como se llama la próxima película de Spielberg ?A todo gas) lo dinamita todo…como el buen arte.

PD:En el próximo post habló del Holocausto y los límites de su representación…lo prometo.

Otra PD: ¿Si se me ocurre una historia sobre como la Comunidad de Madrid pide ayuda a la ETA para parar la invasión de chonis Gran Hermano style que provienen de autonomias perifericas estaría violando algo sagrado? Pues la mejor serie de animación de la historia hizó una broma parecida y nadie ha muerto.

Pero claro, todos sabemos que hay menos libertad en USA que aquí.

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Revival de los 90

enero 1, 2011

Acabado el 2010, podemos empezar a pensar que con la primera década del siglo XXI se va la que ha sido su decada nostálgica, esa década que la gente ha percibido como prodigiosa: los 80. Comenzando nueva década, atendiendo a que siempre se pone de moda lo que estaba hace 20 años, ahora le toca a los 90. Lógico, pues lpara los nacidos en los 80 en realidad la película de su infancia no es ET o los Goonies, sino Terminator 2 y Jumanji. Y ya estan en edad de consumir. Para los que ya somos consumidores de pleno derecho desde hace años esta claro que los 90 no son los años de nuestra infancia, pero si los de la primera juventud y el descubrimiento pleno del sexo, con lo que es una década que tambien le tenemos cariño.

Asi que como post simpatico y superficial para empezar el año, les resumo aquí las tendencias musicales noventeras que ahora recibiran sus justo y merecido revival.

Los 90 son los años del grunge y la movida de Seatle, que fue una especie de hipismo interiorizado y sin ninguna repercusión en lo social. El grunge por definición era un amargado que se vestía como mendigo. Quizás lo Grunge sean los responsable de lo Emo o no, pero esta claro que el suicidio de Kurt Kobain es un hito generacional para muchos.

Pero eso fue una movida universitaria. El mundo agrario español tuvo su modernización en la movida del bakalao, consiguiendo que el house, que tenía cierta connotaciones de musica de culto en los 80, se transformara en la Máquina, la BSO del mundo cani y transformando para siempre el universo musical de los extrarradios.

Tambien la musica gafapasta tuvo su máxima expresión en el llamada musica indie, aunque nunca entendimos muy bien respecto a que eran independientes…claro que ser alternativo ha sido siempre una búsqueda del santo grial de los consumidores de la cultura de masas, esperando encontrar un producto que le resalte del resto…y eso lo cumplió en 1991 REM.

La maquina evolucionó en la eclosión del eurodance, una mutación del italodance que se gestó en alemania y paises bajos y que llegó a tener repercusión en los USA y que se convirtió en la alternativa metropolitana a la máquina.

Tambien hubo una eclosión de chicas cantantes de pelo sucio que lanzaban con cierta agresividad rockera un mensaje feminista, mientras se convertian en iconos sexuales…algo de lo que no se hacian eco, pues Lady Gaga estaba todavía lejos.

Y los One Hit Wonder, que en los 90 hubo varios.

Y por supuesto la transformación del Heavy Metal en todos lo X-metal que se hayan podido inventar,

En fin, que tras recordarles lo que se va a poner de moda en el universo de la nostalgia, sólo me queda desearles a todos

FELIZ 2011

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Los Límites de la Representación: La Imagen Nazi (I)

diciembre 9, 2010

En nuestra sociedad, posmoderna y laica (sólo el cinturón de la Biblía escaparía a esto) el Mal ha dejado de ser representado por el Demonio, Satán o cualquiera de sus acólitos. De hecho una cierta simpatía teñida de ingenuidad es la que recorre el imaginario satánico de índole heavy, que sólo ofende en los estados que no reconocen la Teoría de la Evolución…

En realidad, la imagen del Mal en nuestra sociedad es el nazismo. Pero la imagen nazi tiene diversos aspectos. El primero es el origen de la imagen fascista, la cual esta relacionada con la vanguardia, pues el fascismo y el nazismo eran, inicialmente, movimientos vanguardistas, revolucionarios y de izquierdas, aunque eso es algo que hoy en día se prefiere obviar. El fascismo se relacionó enseguida con el futurismo, pero el futurismo fue, hasta cierto punto, un movimiento fallido, a diferencia del constructivismo (que se convirtió en la estética proletaria pre-Stalin). El fascismo pasó a utilizar un estilo monumental de tono clásico hipertrofiado e inevitablemente abocado al kitch.

El Nacional-socialismo inicialmente optó por una estética sincrética, como se ve en la pro-nazi (a pesar de lo que dijera Fritz Lang) Metropolis, donde auna monumentalismo, futurismo, constructivismo y expresionismo, y que el texto transcurre por fantasías sexuales, imágenes biblicas, fascinación maquinal y tensiones sociales…

Pero el filme que se convirtió en la obra maestra del nazismo fue El Triunfo de la Voluntad, filme que supera a El Nacimiento de Una Nación como dicotomía entre ética y estética y que es una obra maestra de la propaganda.

Es curioso que sin embargo, el cine realizado en la época nazi fuera fundamentalmente musicales y que el gran esfuerzo cinematográfico del cine alemán fuera una adaptación en technicolor de Las Aventuras Del Barón Münchasen

De hecho, El Triunfo de la Voluntad influyó en la propaganda de los aliados y fue tomada como modelo por Capra en su Why we fight?

Esto nos lleva al filme ficticio que forma parte de Malditos Bastardos, El Orgullo de una Nación, filme propagandistico Nazi que Tarantino hace que recuerde más a filmes propagandisticos USA (Historia de un soldado, El Nacimiento de una Nación e incluso las peliculas de la Canon o Star Wars) que a los realizados por Goebels

Lo cual nos hace ver que la imagen nazi ha tenido una gran influencia en la cultura pop (comics de superhéroes, Blockbusters, estética leather, sexo alternativo y demás) quizás por aunar la fascinación por el horror,la idea del superhombre (idea que recorre la cultura pop desde la era del pulp), monumentalidad y épica wagneriana.

Un hecho importante es la presencia de la estética nazi en lo erótico, desde Visconti:

a la sexplotation:

Pero la imagen Nazi tiene una segunda parte que es la imagen de los Campos de Concentración, de la que hablaremos en el siguiente post.

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Los Límites de la Representación: La Imagen Proletaria

noviembre 29, 2010

Uno de los acontecimientos que más han marcado el devenir del pasado siglo ha sido el de los movimientos obreros. Desde la Revolución de Octubre a la caída del muro de Berlín, desde los brutales movimientos anti-obreros de los Estados Unidos en 1920 a los movimientos del frente popular en Francia, la historia del siglo XX es la historia de sus movimientos proletarios, desde su auge a su represión pasando por su domesticación.

El imaginario de la lucha obrera se establece inicialmente en dos polos: De uno el constructivismo (la facción comunista y más efectiva del futurismo hecha por los sovieticos), que tiene que ver con el arte de propaganda, el formalismo y el ojo en el puño. En cine el maestro de esto es Eisenstein, que de hecho deshumanizó (era vanguardista, no podía ser de otra manera) el relato hasta el punto de que el protagonismo individual se perdía en el interior de las masas:

De otro lado esta el realismo. De herencia decimonónica, el realismo y su compromiso con la realidad se consideraba (y se considera) que era necesario en la lucha obrera pues, de alguna forma, parece que el realismo es una especie de salvaguarda de la identidad de la realidad frente a la manipulación de lo que Marx llamaba la supertestructura. Sin embargo el realismo si fue muy bien aceptado por la sociedad burguesa, que pronto lo tomó como modelo estético. Además, desde Dickens la burguesía ha utilizado el relato de tono social y humanista como medio para exorcizar su culpa de clase, algo que va desde Griffith…

…pasando por Chaplin…

…o el neorrealismo italiano…

…y que llega hasta el moderno y en general bastante (en el fondo) conservador realismo cinematográfico español, lleno de buenismo y melodrama, León de Aranoa Style:

Es curioso como el formalismo de Eisestein ha sido rechazado como estética obrera (pero si aceptado como ejemplo formalista en los Blockbusters, curiosamente) mientras que el realismo ha sido asimilado como el verdero imaginario de la lucha obrera, pues ya el realismo socialista (de origen stalinista, no lo olvidemos) instauró ese imaginario realista que poco a poco se ha ido transformando en esa noción de izquierda domesticada, alejada de verdadera retórica marxista y para nada revulsiva del perroflautismo. Si hasta Avatar toma nociones de la izquierda antisistema, significa que todo la imagen de izquierda esta aburguesada. Tal vez la verdadera imagen revolucionaria fuera de los limites del stablishment (burguesía es ya un término anticuado) sea la que se da en los documentales conspiranoicos e ideológicamente confusos a lo Zeitgeist: