Posts Tagged ‘Zine virtual y virtualmente Cine’

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La Revolución comenzará en la ficción.

junio 6, 2011

En 1982 y finalizada en 1988, Alan Moore y David Lloyd publicarón la serie de comics V de vendetta. El comic era una revisitación de una distopía a lo 1984, que pretendía ser una metafora de  la sociedad británica de la era Thatcher, aunque Moore se alejó del fatalismo de Orwell y convertía a su personaje protagonista en un rebelde que nadie era capaz de doblegar y que había llegado a un cierto extremo de locura que impedía a la maquinaria del sistema poder anularle o controlarle, llegando a derribar dicho sistema.

En 1994, Grant Morrison empezó su serie de Los Invisibles, donde un grupo de gente lograban ver más allá de la realidad y participaban en la fase final de una guerra secreta entre terroristas de la realidad y un grupo fascista plutocráta que había convertido el sistema en una forma de atadura y esclavismo espiritual.

En 1996, Chuck Palahniuk publicó Fight Club, donde narraba como un hombre  alienado por el estilo de vida de los 90 terminaba degenerando en una ezquizofrenia que le convertía en lider de un grupo terrorista al estilo Unabomber.

En 1999, con una sincronización francamente notable, se estrenan dos películas que marcarán el imaginario del nuevo siglo: El Club de la Lucha y The Matrix. Ambas tratan de un hombre que se siente alienado en su trabajo y termina siendo el mesias de una rebelión contra el sistema. En el primer caso (como en la novela homónima) es una esquizofrenia destructiva que lleva a un apocalipsis.

En el segundo caso, un delirio mesianico que se revela como una amenaza continua al sistema, prometiendo una rebelión en masa.

En el 2000 Marvel publicó un comic llamado La Hermandad, donde supervillanos mutantes decidían que los metodos de Magneto and Cía eran insuficientes en su lucha y decidían pasar a un terrorismo brutal. La serie fue cancelada según la editora por malas ventas, pero su cancelación, sospechosamente, coincide con el siguiente evento.

En el 2001, se realiza el acto terrorista más famoso de la historia  que, aparte de ser un acontecimiento de una gran brutalidad y crueldad, es (10 años despues podemos atrevernos a decirlo) la mayor perfomance que ha visto el siglo XXI de momento, un acto de puro terror realizado en el corazón del capitalismo. Un acto simbólico del que, sin embargo, poca gente percibió el hecho de que no se atacaba un simbolo de la América Democrática (la Estatua de la Libertad, por ejemplo) sino de la América Coporativa (el World Trade Center). La maquinaria de los medios de comunicación insistió en el aspecto de agresión del Islam y el mundo arabe a los USA (Reagan hizó un buen trabajo preparándoles como los nuevos malos oficiales) o incluso de Orientey el Tecer Mundo  a Occidente. Se obvió enseguida que el ideologo de la masacre era un millonario educado en Suiza y entrenado por la CIA. Alguien del sistema que se había vuelto contra él.

En 2002, Mark Millar hizó que el grupo de superheroes The Authority se enfrentaran al conglomerado corporativo y neoliberal, que de forma brutal, intentaba frenar las reformas sociales y politicas que el supergrupo estaba intentando lograr. Pese a la censura de DC, uno puede reconocer a Ted Turner, Bill Gates y George Bush jr entre los malvados. La serie de comic continuó con otros guionistas (y menor brillantez), con enfrentamientos contra el conglomerado militar-industrial-económico que llegó hasta hacer que el supergrupo diera un golpe de estado en los USA e instaurarse como nuevo gobierno.

En 2006, llega la adaptación al cine de V de Vendetta. La película centra su metáfora en el mundo post 11-s y, pese a las acusaciones de reducir el nivel de radicalidad de la obra original, incluía escenas de cierto peso político. Los productores, acertadamente, convertía a V en una especie de Zorro, cuyos enemigos no eran los gobernantes coloniales españoles aristocráticos y corruptos, sino el sistema que había eliminado la democracia.

Todo estas obras artísticas (todas, menos una, de ficción y la que es real es obvio que esta muy influida por la puesta en escena de los Bolckbusters) parecen haber sevido, durantes estos años, como humus de las nuevas rebeliones que se estan y seguramente se seguirán produciendo.

Ustedes pueden ver como la mayor parte de las obras mencionadas estan presentes en este video que se lanza como advertencia a la clase política. Si la izquierda radical en los 60 tenía a Lenin y Althusser como ideologos ahora tiene a Moore y Palahniuk. Si Stalin y Mao eran los modelos, han sido sustituidos por supervillanos Marvel y superhéroes de Wildstorm. Si el Che Guevara fue su martir, ahora lo será Osama Bin Laden. Pueden criticar los cambios de modelos, pero la cuestión es que la rebelión necesita conceptos que la inspiren y lo ha encontrado en la Cultura Pop. Y a mi eso me parece grandioso.

Eso si, como dice la frase atribuida a Slavoj Žižek, “se nos ha convencido antes de que es posible una invasión zombie que de un cambio del sistema”. De hecho la mayor parte de las obras mencionadas acaban su rebelión en un escenario apocaliptico. Incluso la sere Authority finalizó con un planeta Tierra destruido. La pelicula V de Vendetta no muestra el mundo tras la rebelión, pero si lo hace el comic, que es un antecedente de la visión de Tyler Durden.

Visión que recuerda el inicio del filme Soy Leyenda

…que no es otra cosa más que una pelicula de Zombies.

Asi que necesitamos que la ficción (a ser posible la ficción pop) nos muestre otros sistemas. La primera conquista es la de la imaginación. La primera rebelión es la mental.

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Superhedonistas

abril 19, 2011

Es típico que se invoque a las sagas heoricas griegas, nórdicas o medievales a la hora de hablar de los superhéroes y de sus primos, los héroes del pulp. Así, Star Wars remite al ciclo arturico, mientras que Superman parece reunir todo héroe mesianico en su identidad solar. Esto es cierto, pero cabe preguntarse si este tronco mítico es lo transversal o si se trata de un cierto peaje moral que se hace pagar al espectador para que disfrute con una cierta coartada ética un goce mucho mas primario e inmediato.

Ya el gran Doctor Repronto habló de ello en una antigua entrega de su serie…y desde luego, cabe preguntarse si lo que buscan estas imágenes no es otra cosa que el espectador se sienta poderoso, antes que una verdadera construcción simbólica.

He aquí, en esta escena, todo un zeitgeist que unifica desde los videojuegos (en fase muy temprana en el momento de la realización de la película, lo que no impidió la creación de un arcade de Star Wars que consistía en destruir…una Estrella de la Muerte) a la pasión por la velocidad en vehiculos tuneados, los bombardeos en f 18 (10 años despues Top Gun fue el blockbuster de la temporada) o la ultrapercepción (En Lucas algo que se lograba por filosofía New Age, pero que la invención posterior de los microcloridianos establece la posibilidad del doping)…Todo ese Zetgeist responde a esa necesidad de potencia, rapidez e hipersensibilidad que el hombre del siglo XX (y del XXI) parece necesitar. Ya vimos como Avatar, más alla de su trama a lo Pocahontas, es una puesta en escena de las fantasias de poder del espectador en la era del WoW, las redes sociales y los juegos en Primera Persona:

Asi que esto nos lleva a dos puntos:

1) El trasfondo heroico es una coartada para que el espectador viva sus fantasias de poder

2) Cabe preguntarse si es posible un filme de superpoderes más “honesta” o, mejor dicho, más directa.

El primer punto recuerda a la adaptación de Gor realizada para el cine (aunque sea de serie Z) donde se traiciona la fantasia sexual que anima a las novelas para sustituirlo por una enésima lucha de liberación de esclavos. Es curioso como el cine es, en ese aspecto, mucho más represivo que la novela pulp y termina arruinando su componente erótico por un peaje hacia el heroismo politicamente correcto (propongo un remake de Gor al estilo del Mandarlay de Lars Von Trier). En ese sentido, tal vez los códigos heroicos (“un poder conlleva una gran responsabilidad”) sean represivos del goce.

Respecto al segundo punto, hay dos peliculas que han llevado el cine “de superpoderes” (no se puede hablar en puridad de superhéroes) hacia el hedonismo.

El filme Jumper nos mostraba a un teleportador que utilizaba su don para vivir al limite de una forma atractiva y que se relaciona con un estilo de vida millonario y sin responsabilidad. Es curioso como los villanos de la función no eran otra cosa que una fuerza represiva que precisamente intentan limitar el campo de acción de unos seres a los que no se les pueden poner barreras.

Un filme de reciente estreno, Sin Límites, nos plantea el uso de una pastilla que vuelve tremedamente inteligente, ultraperceptivo y rapido mentalmente a su protagonista, convirtiendolo en un arrojado, imparable y atractivo millonario…y donde el director nos muestra su percepción rompiendo barreras espaciales a traves de zooms infinitos, planos secuencias digitales y transiciones atrevidas. Aunque en un momento dado el guión plantea una especie de consecuencia yonki de la pastilla, en su final (de forma no muy bien explicada, eso si) parece renegar de ello y apostar SPOILER por un superhombre siempre colocado.

Claro está que ya tenemos un superhéroe “de verdad” que es hedonista, millonario, chulo y que viaja a alta velocidad. Un héroe neoliberal que su cinismo nos hace sospechar de su heoroismo…

…porque tal vez ese sea el héroe que merece nuestra sociedad, aunque cabe preguntarse si es el héroe que necesitamos.

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Golpes a la barrera

abril 4, 2011

No cabe duda que el filme más polémico en los últimos tiempos a niveles de crítica en internet, que es donde hoy por hoy se gestiona la verdadera crítica cinematográfica, ha sido Sucker Punch. Su director, el siempre sorprendente Zack Snyder, ofrece  uno de esos filmes que el espectador duda en más de un momento si se encuentra ante un producto nefario o una autentica obra maestra. Eso hermana al director con cineastas bizarros como Takashi Miike y uno ha de reconocer que la mayor parte de las veces que un filme coloca a alguien en una disyuntiva tal lo más probable es que sea una obra maestra. Pero lo que me interesa aquí es por que a mi como espectador me provocó esa duda valorativa que hacía que el visionado del filme me pareciera fascinante. Y la respuesta que obtengo es que el filme dinamitaba diversas barreras y ahí construye su grandeza.

1. División entre Baja/Alta cultura: Sucker Punch (que se puede traducir como Golpe Bajo) se vende como un blockbuster (lo que los situaría en un nivel un tanto low brow) y de hecho la acumulación de efectos, escenas espectaculares y el maniqueismo de los personajes parece que cumple esa función. A la par que eso el filme muestra un desprecio por las reglas elementales de lo comercial (empatización con los personajes, coherencia narrativa, enganche con las expectativas del espectador) que casi parece que Zack Snyder se convierta en una suerte de Kubrick “redneck” (como con sorna alguien le ha bautizado) o incluso más lejos: una especie de Godard (que jugaba con los generos y lo narrativo de forma burlona) o Apichatpong Weerasethakul (que rompe los códigos narrativos como le da la gana). Sin embargo el filme tiene una evidente fascinación por las expresiones de cierta “degradación” de la cultura de masas (fotos de victoria´s secrets, arcade, peliculas de Uwe Boll, blandiporno, videoclip de Britney Spears, series teen, universo playboy…)  que no hace sino chocar con los elementos más “respetables” que el filme utiliza (El Gabinete del Doctor Caligari, Terry Guilliam, Moulin Rouge, canciones gafapastas, Cabaret, Brecht, Norman Rockwell…), con lo que el filme, lejos de estar en comodas y amables posiciones mid cult, se situa en una tensión que ha hecho que algunos consideren al filme una apoteosis de lo chorra y del mal gusto.

2. Narrativo/Antinarrativo: el filme se estructura en tres niveles de realidad, lo que lo hermana con Inception. Pero donde Nolan intentaba establecer un discurso de narratividad comprensible y en última instancia cerrado (por muchas ambiguedades que la pelicula estableciera para hacer que el público hablará del filme un ratillo despues al salir de la sala), Snyder parece despreciarlos. Cada nivel diegético parece una excusa para mostrar otra cosa, para cambiar de película, para ocultarnos lo que quizás el publico querría ver (el nivel del burdel oculta el drama de abusos sexuales que sufren la enfermas del manicomio, el nivel de las aventuras de videojuegos ocultan los numeros eróticos que las protagonistas realizan asi como el plan de escape a lo Prison Break que parecen intentar llevar a cabo y que nunca se entiende del todo). De esa forma los niveles estorban en elementos de comprensión y enganche narrativo, asi como escamotean los elementos eróticos, por lo que dichos niveles estorban en lo narrativo y en lo espectacular. Y sin embargo al final Snyder establece un final imposible, que tanto cambia de protagonista, como da una coda feliz con mensaje y que uno percibe como absolutamente falso, (un poco al estilo Terciopelo Azul de David Lynch)aunque extraña e inquietantemente coherente, como el final de El Gabinete del Doctor Caligari.

3. Lo Representado/lo no Representable: El filme comienza ya en un teatro y su total expresionismo fotográfico, escenográfico y digital lo hermanan con el filme total y la mostración de la representación (a lo Luhrman o Coppola). Pero la representación (primer nivel: manicomio) da pie a otra representación (el burdel/cabaret)  que a su vez da pie a otra (las fantasias de los bailes de la protagonista). Asi el filme escamotea los aspectos sexuales (lo irrepresentable en un filme PG-13) a la vez que despieza la narración en intro de videojuegos (el primer nivel), escenas cinematicas (el burdel) y las secuencias de juego (las fantasias). Además la pelicula desnuda lo que tienen en comun el cine porno, el cine de acción y el cine musical: una excusa narrativa para mostrar un numero. En este caso las set pieces de acción simbolizan unos numeros musicales que señalan una cierta escena sexual. Pocas peliculas muestran el aspecto pornográfico del cine de forma tan aparentemente inocente.

4. Deseo masculino/Denuncia femenina: El filme de Snyder vehicula muchas ideas en torno a lo Masculino y lo Femenino. Las protagonistas estan evidentemente sexualizadas según unos canones muy relacionados con fantasias sexuales masculinas. Por otro lado el filme pone siempre en relación el dominio masculino como castrador y la lucha de las chicas por escapar como liberación. Incluso Snyder pone al John Hamm (el  Don Draper de Mad Men) en un doble papel de simbología masculina reveladora: Es tanto el gran macho que todos esperan el burdel como el negligente medico lobotomizador de chicas. Y sin embargo, como bien apunta este post, en última instancia todo puede ser una fantasía misogina de un director del que se ha sospechado una cierta fascinación filogay no del todo asimilada (el organista homosexual con tacones en Amanecer de los Muertos, los abdominales espartanos y Jerjes y su latigo en 300, Ozymandias y el pene azul del doctor Manhattan en Watchmen,el joven buho que mira embobado a los guerreros lechuzas en Gahoole).

Snyder es un cineasta que establece nuevas cotas en el cine postmoderno y del que sólo puedo esperar que va a hacer con Superman, supervisado por Nolan. Un cineasta excesivo, ultramanierista, irónico, ambiguo, macarra, friki y Connoisseur

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Muestra Fantástica (y II)

marzo 7, 2011

Sábado y Domingo de la muestra:

SÁBADO

I saw the Devil

Obra maestra del cada vez más imprescindible cine coreano. Un filme poderoso, moralmente perturbador, espectacular y trágico. El guión además establece giros sorprendentes y el tono entre hiperealista y de tebeo funciona de manera fascinante. Como dato decir que la versión proyectada no incluía una curiosa escena de sexo que hay en la original.

Captifs

“Torture Porn” francés al estilo de Frontiers. Filme rutinario sin la atmosfera malsana que necesita el género. Floja y prescindible.

Giallo

Como muestra de la decadencia del otrora notable Dario Argento este tenemos este “giallo”  arritmico y plano con una pareja Brody-Pataki tan faltos de quimica como de convicción. El publico puso de su parte para que el filme se soportara.

Hatchet 2

Por motivos personales no entre en este pase, asi que la secuela de la divertida Hatchet no tiene reseña.

Dinocroc vs Supergator

Proyectada como Trash entre amigos de Lardín, Absence, Vigalondo y Minchinela, una “monster movie” dirigida por Jim “pongo rubias de pelicula porno como actrices” Wynorsky y producida por Corman consciente con sentido del humor de su propia condición y que sirvió para pasar una noche Trash divertida

DOMINGO

Tucker and Dale Vs Evil

Inicialemente prevista el viernes, se proyectó por fín el domingo. Muy divertido filme que juega desde otro punto de vista con el tipico survival horror de rednecks, bromeando con los codigos del género y con una reparto muy solvente que incluye al Alan Tudik de Firefly. Gore divertido y parodia inteligente que reflexiona sobre el hecho del punto de vista en la narración y logrando que una trama de terror sea una descacharrante comedia.

Thirst

Aunque un tanto irregular por momentos, Park Chang Woo (uno de los directores más interesantes del cine internacional) nos ofrece una fascinante pelicula de vampiros que eleva a la categoría de tragedia lirica los elementos romanticos del género. Grandes escenas a veces puntuadas por situaciones flojas, pero una gran pelicula.

Dream Home

Esta película fue reseñada en mi post de sitges y allí  les remito.

The Last Exorcism

Nuevo “mockumentary” de terror cuya mejor baza es el personaje protagonista, un falso exorcista que termina encontrándose con una posesión que tal vez sea sobrenatural. Buenos momentos lastrados por cierta arrítmia y un final muy malo. Decepcionante aunque no exenta de interes.

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Los Límites de la Representación: La Imagen Cruel

noviembre 21, 2010

NOTA: Las imágenes mostradas en esta entrada pueden herir la sensibilidad del internauta.

En el anterior post hablamos de la pornografía y ya dije que en realidad el limite de la representación no está en el acto sexual. El limite de lo representable obviamente es la muerte. Ya Bertrand Tavernier hablaba de ello cuando en La Muerte en Directo un periodista con ojos biónicos que retransmitían por la televisión acompañaba a una moribunda en su agonía.

Claro que en realidad no ha hecho falta algo tan sofisticado como ojos biónicos para filmar la muerte…basta ir a youtube:

Pero la muerte realmente impactante es la que tiene que ver con la masacre, la amputación y la mutilación. La muerte violenta…el asesinato. Asi nació el mito del snuff. Las snuff movies, filmes donde se ha asesinado a alguien frente a la cámara, es una persistente leyenda urbana que imagina un autentico mercado negro de filmes criminales aunque en realidad nunca se ha encontrado un filme de esas carácterisitcas. De hecho, las snuff movies en una invención originalmente creada para asustar sobre la industria porno: Si el porno había sido ilegal por muchos años y había generado una industria oculta, estaba claro que al legalizarlo el siguiente eslabón había pasado a ser industria oculta: el asesinato frente a la cámara. Claro que si uno quiere ver asesinatos reales…de nuevo youtube:

En realidad, la grabación de la muerte ha estado siempre presente fundamentalmente en el universo del telediario y los informativos de la televisión. Siempre se han amparado en el hecho informativo (el derecho del público a saber) y en la libertad de prensa para ello pero en realidad es el contenido espectacular el que condiciona si es noticia o no. Es decir, la muerte de 100 personas en Israel por caerse el suelo del piso puede que no aparezca en muchos telediarios del mundo…a menos que se tenga imagenes…

…en cuyo caso puede ser la noticia estrella del telediario (el de Antena 3 abrió con estas imagenes). Es un tópico ya decirlo, pero nadie se rasga las vestiduras ante estas imagenes: Están protegidas contra toda crítica por la pátina de la información. Es curioso pero la representación de la muerte violenta ha sido más perseguida que el registro de la misma.

El cine gore surgió (no por casualidad) como un hermano del cine porno. El que se considera su creador, H G Lewis, realizaba nudies (filmes de desnudos, lo más atrevido legal en la era de la ilegalidad del porno) y viendo que los desnudos teminarian apareciendo en los filmes de Hollywood buscó una nueva carnaza que ofrecer. El resultado, filmes donde la muerte y la mutilación eran el mensaje:

Ciertamente los filmes de Lewis vistos hoy en dias no sólo son ingenuos sino que entran en eso que se denomina comedias (?)involuntarias, pero abrieron la puerta en el cine comercial a las imagenes crueles y ya en 1973 una superproducción de Hollywood nominada al Oscar a la mejor pelicula podía tener imágenes como estas:

De hecho, el cine gore entró (quizás Lewis lo supo desde un principio y por eso quizás sus filmes no sean tan involutariamente cómicos) durante los 80 en lo directamente grotesco, paródico y carnavalero. Lo que siempre se ha llamado Grand Guignol:

Claro que la imagen cruel ya estaba de antes del cine gore o splatter. Los dibujos animados han sido habitualmente muy crueles, como siempre ha denunciado el Rasca y Pica de Los Simpsons. Algo que ha dado pie a cosas como esta:

Pero tambien ha estado presente en cineastas respetados, como Eisenstein

Hitchcock

o Buñuel…

…no por casualidad llamados por Bazin “cineastas de la crueldad”. Así que las imagenes gore han sido aceptadas por la Alta Cultura (hay esta Bacon para refrendarlo). Claro está que lo que diferencia Holocausto Canibal de un filme de Haneke es que la primera es pura “explotation” mientras que el segundo es un denuncia y una reflexión sobre la violencia. Claro que Deodato hizo declaraciones en las que decía que Holocausto Canibal es producto de la rabia que sentia por la muerte de su mujer y por el estado de terror de la sociedad italiana por las Brigadas Rojas y Haneke hizó un remake plano a plano de Funny Games bajo sospecha de hacerlo por motivos crematísticos. En realidad que mas da. Da igual si el director de Serbian Film ha hecho su pelicula como denuncia de un estado mental de su pais (como el mismo ha declarado) o su motivo sea crear polémica y vender un producto. A fin de cuentas se puede denunciar lo que fascina (esa es la clave de Apocalipse Now: El horror fascina) y da igual lo que digan los autores. A fin de cuentas estamos solos frente a los textos y desde luego las imagenes crueles nos plantean no la moralidad de los autores sino nuestra moralidad como espectadores. ¿Por qué vemos Holocausto Canibal, Serbian Film o el Telediario?

Nota final: Como bien se dijo en El Blog Ausente, lo más ingenuo de Holocauto Canibal es su final. Hoy estamos seguros que los ejecutivos de una televisión no mandarían destruir los negativos sino que pondrían las imagenes por su “alto contenido informativo”

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Masculinidades Perdidas

septiembre 5, 2010

Tras un par de semanas este blog vuelve a estar activo. Y aprovecho para comentar con ustedes el parecido de tres filmes de acción que se han estrenado en el verano en los USA, de los cuales dos lo han hecho támbien en España y el tercero tiene próxima fecha de estreno. Se trata de The Expandables (Los Mercenarios), The A-Team (El Equipo A) y The Loosers.

Los tres filmes tienen en comun diversos elementos: De un lado, se trata de películas sobre un equipo de militares al margen de la oficialidad, y en los tres filmes se ven envueltos en las redes de miembros corruptos de agencias de defensa y espionaje del gobierno norteamericano. Por otro lado los filmes recuperan personajes de otros tiempos para reestructurarlos en nuestra contemporaneidad: En Los Mercenarios, se recuperan a estrellas del cine de acción ochentero; El Equipo A actualiza una añeja serie de los 80 y The Loosers adapta un comic actual, pero dicho comic es una versión modernizada de un viejo comic de comandos de la DC. Por último, en los tres filmes uno de los personajes tiene una relación de  tensión sexual y un tanto problemática con una mujer: En The Expendables Jason Statham y su novia infiel interpretada por Charisma Carpenter; En El Equipo A Fénix (la traducción española de Face, nunca he sabido por qué) y la militar que encarna Jessica Biel; y en The Loosers la relación de Jefrey Dean Morgan con la hija del narco que ejecutó.

Ninguno de los filmes pasará a la historia del cine: El filme de Stallone es razonablemente divertido e incluso tiene cierta miga metalingüistica, pero la tendencia a lo dramático de su director y estrella, cierta falta de ritmo y la ausencia de un necesario tono crepuscular lo convierten en un filme un tanto fallido. El Equipo A es un Blockbuster solvente, espectacular y macarra que falla en cuanto se toma demasiado en serio a si mismo. The Loosers tiene un comienzo prometedor y algunas escenas sacadas del comic efectivas, pero un segundo acto sin conflicto y un climax torpe terminan por arruinar la función.

Si traigo a colación estos filmes es porque los tres, aunque es el filme de Stallone el que más claro lo dice, quieren recuperar un cierto tipo de cine de testoterona. Son filmes que quieren conquistar al espectador masculino apelando a una vuelta al concepto politicamente incorrecto del Macho Dominante. De ahi que tengan que recurrir a personajes del pasado (una era de cuando los hombres eran hombres) y que la relación sexual con las hembras sea problemática. Uno de los mejores momentos de los Mercenarios es cuando el personaje de Jason Statham, despues de darle una paliza al novio maltratador de su chica, le espeta a ella: “Deberias haberme esperado…Porque yo lo valgo”. Una frase de anuncio de mujeres se convierte asi en frase de macho alfa.

Pero esta vuelta a un modelo de cine de acción ochentero no acaba de funcionar.  Aparte de los problemas que tienen los tres filmes, hay algo más: el cine de acción ochentero nunca fue un verdadero cine Macho, sino una reacción frente a la liberación de la mujer que ya era entonces un hecho imparable. En ese sentido el filme Macho de los ochenta en realidad era misógino (las mujeres traicionaban muchas veces, o eran prostitutas o morian) y filogay (fascinación por cuerpos musculosos masculinos, camaraderia que llegaba a la Love Story).  Es decir, los hombres creaban fantasias de poder masculinas donde lograban excluir a las mujeres. En el fondo de eso va un filme muy diferente como es Brockeback Mountain, la historia de dos hombres que huyen a un anuncio de malboro para escapar de las mujeres y su mundo de responsabilidades familiares y suegros coñazos.

Y estos filmes no han encarado ese asunto (lo cual tras una obra maestra filogay como 300 tiene cierto delito) quedándose en un superficiales tics de camarederia masculina y machismo de andar por casa.

En cambio, si hay en el audiovisual actual una obra de fantasía masculina que de verdad retrata ese momento donde la falocracia estaba a punto de caer pero seguía exitiendo (y no eran los 80, desde luego). Una serie que, de forma inteligente, hace que el espectador masculino cierta un desasosegadora mezcla de fascinación y repugnancia. La serie Mad Men.

La serie muestra a los ejecutivos de publicidad de los 60 con sus cigarrillos y sus bebidas alcolicas comportandose como reyes en un entorno donde la mujer (secretaria o esposa) esta a sus ordenes y sólo tiene sentido en tanto sirve al macho. Todo ello con las contradicciones que supone verlo desde el siglo XXI una actitud asi. Y sin embargo un personaje tan moralmente ambiguo como Don Draper es uno de los personajes más fascinantes de la televisión actual.


Dos apuntes: La serie ha ganado el Emy a la mejor serie esta semana, asi que algo debe tocar la fibra en la sociedad USA esta serie. Por otro lado John Hamm (el actor que interpreta a Don Draper) tiene un cameo en El Equipo A, quizás como sintoma de que modelo macho en realidad estas peliculas querian mostrar y no han sido capaces de hacer…

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Una Fantasía Femenina: Knight and Day

agosto 6, 2010

Si entendemos el blockbuster como un filme espectáculo de acción, efectos especiales y destrucción de un coste elevado y que aspira a convertirse en un fenomeno de masas debemos considerar Tiburon como el primer Blockbuster. Si Tiburon y Star Wars son los modelos que han creado el Blockbuster y si atendemos que en ambos casos son fantasias masculinas. Tiburon nos mostraba la crisis de masculinidad de un oficial de policia que debía demostrar su valor y recobrar el respeto de su familia matando a un tiburon. Star Wars mostraba a un chico solitario y sin amigos que salvaba a la galaxia. Fantasias de poder masculinas como vemos.

Si el Blockbuster se ha establecido como una representación de las fantasías (y por tanto de los delirios y las pesadillas) masculinas, eso explicaría los fracasos de los blockbusters de superheroinas, pues no logran unificar el deseso sexual que las protagonistas deben despertar entre la platea de los machos junto con la identificación con un deseo de poder masculino. Támbien explica que las comedias romanticas se hayan convetido en la respuesta femenina al blockbuster, como bien claro esta en este trailer de Los Mercenarios.

Quizás dos blockbuster han intentado acercarse a una cierta mentalidad femenina: Mentiras Arriesgadas y Señor y Señora Smith. En ambos caso se contaba con una crisis matrimonial donde el aburrimiento de los conyuges se solucionaba descubriendo o haciendo que el otro fuera un superespía.

Heredera de estos dos filmes, aunque tambien influida por una obra maestra del cine manierista, Charada, la pelicula Knight and Day emerge como un blockbuster de caracter netamente femenino. Que nadie me entienda mal: La pelicula no es buena y tiene muchos problemas, aunque deben ser ustedes más inteligentes y no pensar de forma cazurra y decidir que el problema del filme es que haya encierros de San Fermin en Sevilla. Pero la pelicula de James Mangold ha suscitado mi interes por ciertos elementos.

En el filme tenemos un treitañera soltera, que tiene su pagafantas oficial (un ex novio bombero) y que esta claro que busca el hombre de su vida. En ello aparece un macho alfa que es capaz de ponerle caliente con su conversación y que cae del cielo, literalmente (en dos secuencias cae sobre el techo del vehiculo en el que ella va). Obviamente, el macho alfa es un superespia (desde James Bond la sublimación del macho dominante en el imaginario cinematográfico) pero este se muestra simpático y de hecho es capaz de hacerle el desayuno y dejarle notitas cariñosas. El superespia es por tanto un caballero (knight es su nombre en clave) e incluso le quita de en medio al pagafantas de la chica sin problemas, convietiéndole en un héroe y sin culpabilidad para la chica al meterle una bala limpia en la pierna.

La fantasia femenina tiene su recorrido por el imaginario romántico típico de la lectora midbrow americana: Isla desierta, travesía en tren por los Alpes, Viena y una Sevilla Kitch que incluyen la divertida (tengan sentido del humor) idea de que los San Fermines de Hemingway corren por sus calles. Fantasía femenina que tiene su componente de pesadilla (la escena en la que un giro del avión  hace descubrir a la protagonista que todos los pasajeros del avión han sido asesinados por su ligue) y que llega a ser conciente de la necesidad de cierta violencia para llegar al acto sexual. En una escena hay una idea de guión retorcida que tiene mucha gracia: Cameron Diaz, inyectada con Pentotal Sódico (una mujer sólo reconocería su deseo sexual mediante un suero de la verdad parece decirnos el gag) ve como Tom Cruise se carga a diverssos esbirros y le espeta: “Dios, apuesto a que eres muy bueno en la cama”.

Todas estas ideas se ven lastradas por los problemas del filme: La dirección de Mangold se situa en ese terreno tan resbaladizo de la artesanía y lo autorial que no termina de cuajar, Tom Cruise es demasiado buen chico para el papel (ah, si el protagonista hubiese sido George Clooney o Brad Pitt) y eso hace que se le convierta en un Boy Scout bien intencionado, el Segundo Acto anda a trompicones de pérdidas de conocimiento de Cameron Diaz, el Tercer Acto es muy errático y los Efectos CGI cantan. Para colmo Mangold filma las escenas de acción de forma demasiado limpia, cuando la fantasía pide un mayor desparpajo y desverguenza en las escenas de acción. Hay una excepción, la escena del puente nos muestra una panorámica dentro del coche siguiendo una moto que es realmente brillante, y la propia escena tiene un cierto tono de videojuego, a lo Neveldyne/Taylor (ella dirá despues: He  estado metido en mitad de una escena de GTA) que lamentablemente no tiene continuidad.

No es una buena peli, pero a veces uno ve la pelicula que podría haber sido y no la que es.

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Remakes Y Remedos(III): BarbWire

agosto 2, 2010

Si hemos visto como El Guerrero y la Hechicera es un remake de Yojimbo (y van) más sorprendente es el caso que viene a continuación.

Casablanca es una pelicula que unifica las cinco categorías que un filme puede atesorar en la memoria: Filme de moda (éxito del filme en el momento del estreno) Filme popular (un filme que es reconocido por el gran publico pese a los años transcurrido) Filme clásico (filme considerado emblemático de una época y un estilo), Filme de culto (filme adorado por un reducido grupo de fanticos) y filme canónico (filme modelico para el arte cinematográfico)

Que Casablanca fue un filme de moda (su éxito en taquilla y el Oscar a mejor pelicula asi lo atestiguan),es un filme popular (el publico reconoce frases, musicas y momentos de la pelicula) y un filme clásico (es un icono emblematico del cine de hollywood de los 40) es indudable. Más discutible puede ser lo de filme de culto, sobre todo porque los filmes de culto suelen asociarse con iniciales fracasos de taquilla (Blade Runner, El Club de la Lucha, Donnie Darko), pero si tenemos en cuenta el ostracismo que sufrio el filme durante los 60 hasta la resurrección del mito de Bogart en los 70 y los comentarios de teoricos de Umberto Eco que definen un filme de culto como un filme donde los cliches se encedenan sin descanso (Eco pone a Casablanca, de hecho, como filme de culto) quizás las dudas de despejan. Por último Casablanca es, junto Lo Que El Viento Se Llevó, la gran obra maestra no autorial (o sea, que no es obra de un autor “reconocido” tipo Ford, Hawks, Vidor, Wellman o Walsh) del cine clásico, lo que lo coloca dentro del filme canónico. Cinco de cinco.

La posibilidad de realizar un remake del filme favorito de Garci ha sido una posibilidad constante. El proyecto más delirante fue el rumor del remake producido por la Canon Group con Tom Cruise de protagonista…en 1987. Pese a que el remake oficial se resiste ha habido diversas peliculas inspirada en el clásico de Michael Curtiz. Las dos que siempre me vienen a la mente son dos donde el cambio de la localización de la ciudad marroqui por otro coincide. Se trata de Cuba (Richard Lester, 1979) y  Habana (Sidney Pollack, 1990), pero ya en el Hollywood clásico se realizaron diversos filmes que intetaban repetir la formula de Casablanca. Pero claro esta se trata de inspiraciones, citas, homenajes…no remakes propiamente dicho, igual que el parecido entre Mision Imposible 2 y Encadenados.

Pero hay un filme que supero el tema del homenaje, la situación similar y demas, para atreverse con la reescritura fiel, es decir, un remake que no se  vendio como tal. Se trata de Barb Wire.

Barb Wire fue un intento de convertir a la neumática y televisiva Pamela Anderson (admitamoslo, junto a Sharon Stone el mito erotico de lo 90) en una estrella de cine.

Para ello se convirtio en la protagonista de una adaptacion de un mediocre y no demasiado conocido personaje femenino de cómic, que le permitia lucir licra negra ajustada, enseñar (brevemente) las tetas y pegar hostias como panes (o al menos intentarlo). Un blockbuster veraniego venido a menos cuyo fracaso en el box office demostro una vez más que las peliculas de heroinas de comic son veneno para la taquilla (Supergirl, Brenda Starr, Aeon Flux, Catwoman…casi mejor que Warner se olvide de hacer un filme sobre Wonder Woman).

Pero la adaptación del comic es una excusa para hacer una Casablanca en clave post-apocaliptica (la ciudad marroqui es sustituida por una ciudad en un mundo devastado por la Guerra Nuclear y los Nazis son reemplazados por un totalitario estado fascista surgido en lo que queda de los USA) y , lo que es más divertido, inviertiendo los roles sexuales. Asi la gomosa Vigilante de la playa cumple el rol de Humphrey Bogart, mmientras que Ingrid Bergman se transmuta en el neozelandes Temura Robinson, conocido entonces por ser el protagonista de Guerreros de Antaño y hoy mas recordado por ser Jango Fett (el padre de Bobba ) en la inclita saga galactica.. Es curioso como la inversion de roles nos da a una hipersexualizada chica playboy comportandose de una forma masculinizada frente a un cachas y un tanto tosco patenaire masculino que ejerce constantemente un rol pasivo. Curioso támbien como el equivelente masculino de la amistad entre Claude Rain y Humrpey Bogart es sustituido por una extraña tensión sexual entre Udo Kier (no hubo cambio de sexo en su personaje) y la exmujer de Tommy Lee, donde la frase “este es el inicio de una bella amistad” se transforma en la mucho más lapidaria “(él)me parece que me estoy enamorando-(ella) Pues ponte a la cola” Parece claro que los artifices de la pelicula piensan como decian en Cuando Harry Encontro a Sally (un filme que tenia una escena en la que se hablaba de…Casablanca) que es imposible la amistad entre un hombre y una mujer (o al menos entre un hombre y una tia buena).

Esta lectura postmoderna de Casablanca que incluye escenas de chicas y mangueras, salvoconductos sustituidos por lecturas retinales (a lo Minority Report) y macarrismo a raudales, podria haber sido un pequeño clásico del cine psicotrónico sino fuera por una realización torpe y una molesta falta de ritmo. Pero que demonios, tal vez deba ser un filme a redescubrir.

Si algun día se realiza el remake oficial de Casablanca, recuerden entonces que en realidad ya se hizo antes. Y apuesto a que este será mejor que el oficial. ¿por qué? Porque tiene al menos la desverguenza como un valor seguro

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REMAKES Y REMEDOS II: El Guerrero y la Hechicera.

julio 24, 2010

Ejemplo perfecto de remake fiel a la par que desvergonzado se encuentra en este filme de John C. Broderick con David Carradine de protagonista y producida por Roger Corman. Contextualicemos: A principio de los 80 La New World, todavía en manos de Roger Corman, produjo una explotation de Conan llamada Deathstalker. Rodada en Argentina lo más destacado de este exploit es que la dosis de desnudos y sexo ya presentes en la versión de Milius (y sensiblemente menores en la segunda parte de un Richard Fleisher en horas muy bajas) fueron aumentados en cantidad, calidad (no tengo nada en contra de Sandal Bergman y las demas chicas que muestran sus encantos en Conan, pero las mujeres de Deathstalker, con la malograda Lana Clarkson a la cabeza, son espectaculares) y desverguenza (el filme llega a parecer un Nudie por la cantidad de desnudos, sin mencionar la escena en la que un esbirro se transforma en mujer y se toca sus propios pechos de forma libidinosa).

Deathstalker, con un presupuesto de cinco millondes de dolares, ganó más de 20 en la taquilla norteamerciana, lo que explica que diese pie a tres secuelas (eso si, ya para el mercado del video) y, que es por lo que traemos esta simpatica pelicula de espada y brujeria a colación, toda una serie de peliculas del género bárbaro con presupuesto tan ajustado como disposición de sus actrices a mostrar su dotes no necesariamente interpretativas: Barbarian Queen, Soreceress y otras.

El filme que nos ocupa parte de ese ciclo Corman Argentino Bárbaro. Ya un elemento destacable es que este protagonizado por David Carradine, actor de culto donde los haya: Hijo de John Carradine, uno de los grandes actores de carácter del cine clásico, protagonista (y sustituto por cuestiones raciales y racistas de Bruce Lee) en la serie Kung Fu, ha trabajado con directores como Walter Hill, Quentin Tarantino y tambien con fabricantes de caspa excelsos como Jim Wynorsky, Fred Olen Ray, o Anthony Hickox y tuvo una muerte mezcla de sublime y ridicula digna de un actor que hacia subir enteros los episodios de las series de televisión donde aparecia (Embrujadas, Alias).

Pero el gran elemento destacable es que este filme es un remake fiel (casi al pie de la letra) y desvergonzado (no se compraron derechos, ni se pidio permiso ni se menciona en los creditos, vamos lo que se dice un plagio) de Yojimbo de Kurosawa.

Si ha habido la obra de un director que ha sido versionada innumerables veces ese es, sin duda, Kurosawa. Rashomon tuvo un remake western llamado Cuatro Confesiones y muchos criticos lo consideran tambien la inspiracion del musical de Cukor Les Girls. Los Siete Samurais nos solo tuvo el remake western de Los Siete Magnificos (que tuvo dos secuelas) sino que ha dado pie a filmes como Batalla más Alla de las Estrellas (conocida entre los aficionados como los siete magnificos del espacio) o Bichos. La Fortaleza Escondida fue versionada en los primeros 30 minutos de Star Wars…Pero Yojimbo ha sido versionada támbien bastantes veces. Sergio Leone, sin pagar un duro, lo adapto al Western comenzando un estilo (su anterior pelicula no tiene nada que ver con el estilo Leone, comenzando el mismo en este) un subgenero (el spaghetti Western), una estrella (Clint Eastwood) y todo un imaginario del oeste que terminario haciendose más popular que el imaginario del western realizado por los propios americanos. El filme era por un Puñado de Dolares y su éxito hizo que la productora del filme de Kurosawa demandar y los italianos debieran pagar derechos y compensaciones por usar el argumento de Yojimbo. Claro está que los japonese olvidaron mencionar el detalle de que Yojimbo estaba a su vez inspirada en Cosecha Roja de Dashiell Hammett.

El siguiente remake, totalmente oficial se ambiento en la era de la depresion y con un tono a lo Hammett, no resulto lo bueno que se esperaba. Con Bruce Willis de protagonista y Walter Hill de director su titulo era: El Ultimo Hombre.

El Guerrero y la Hechicera traslada la el argumento de Yojimbo a un mundo de fantasia que llega a tener un cierto tono a lo Corben (dentro de las limitaciones del presupuesto, claro), el samurai que interpretaba Toshiro Mifune se transforma un barbaro de pocas palabras con el rostro de David Carradine, y el código genérico hace posible que un miembro de una de las dos familias enfrentadas sea un teleñeco con forma de reptil y que una de las protagonsitas se pasee en topless todo el metraje.

Pero la fidelidad al filme de Kurosawa es absoluta, mayor que la de los filmes de Leone y Hill.

¿por qué nunca se cuenta este filme como uno de los remakes de Yojimbo? Podria aducirse la “ilegalidad” de la version, pero eso no impide que Por Un Puñado de Dolares sea el remake mas famoso de todos los dicho antes. Podemos pensar que es la escasa repercusión del filme, pero el fracaso comercial de la version de Walter Hill no impide que sea reconocido como una version de Yojimbo (o de Por Un Puñado de Dolares para los indocumentados). Quizas el Guerrero y la Hechicera vive sin que la cultura oficial lo considere uno de los remakes de Kurosawa porque al tratarse de un exploit nadie lo relaciona con un director de la Alta Cultura como Kurosawa (y que quede claro que Kurosawa es alta cultura por su “japonesidad”, demostrando que la piramide de los niveles culturales es profundamente etnocentrica) y Leone y Hill son (o se han convertido) en directores lo suficientemente Mid Cult como para entrar en el radar del stablisment cultural.

Asi que para hacer remakes sin que nadie se de cuenta el truco es volar bajo. Tal vez si Murnau no hubiese sido uno de los maestros del cine mudo nadie se hubiese dado cuenta de que Nosferatu era una version, si pagar derechos, de Drácula.

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El Mejor Blockbuster del Verano

julio 12, 2010

Los medios de comunicación tienden hacia la narrativización en sus cronicas de la realidad. Esto se puede entender como ficcionalización de la realidad, lo que siempre tiene connotaciones negativas (la prevaricación del signo, la mixtificación) pero támbien puede entenderse como una simbolización de la realidad. A fin de cuentas la realidad debe ser interpretada para nuestro entendimiento, para poder llegar a nuestra consciencia.

El último mundial ha sido vendido como un autentico blockbuster…de hecho su funcionamiento dramático y espectacular ha sido mejor que el Robin Hood de Ridley Scott y que El Principe De Persia…seguramente sólo Origen y Toy Story III nos den un texto narrativo espectacular más sólido.

El comienzo no podiá ser más dramático. Una derrota humillante que parecía apartar a la Roja de cualquier opción seria de ganar el mundial.

A todo esto, tramas secundarias se añadían a la trama principal, como la historia romántica de Iker Casillas con Sara Carbonero…con sus tensiones.

La semifinal mostraba a un rival invencible que pedía la revancha como Apollo Creed en Rocky II. Y al ser derrotado se veía como un rival digno y elegante, como Apollo en Rocky III.


El blockbuster incluso tenía lecturas politicas relacionando la aparición de sentimientos patrioticos de unión frente a los nacionalismos.

Y el coflicto se resolvía en un partido donde los rivales eran claramente malvados…

Donde los planos espectaculares se suceden

y donde se los buenos ganaban en el último minuto.

Y para cerrar la pelicula, el beso final…

Una pelicula veraniega que mezcla Rocky, 300 e Invictus…No esta mal.